Las mujeres prerafaelistas…

Eros y Psique, de Annie Louisa Swynnerton.

Si están pensando en las sensuales modelos que inspiraron esas legendarias y poderosas imágenes, lamento decirles que van por el lado equivocado. Y eso que las mujeres -reales e imaginarias- que inspiraron a estos osados pintores, son un gran tema…

Pero lo que hoy he descubierto, me lleva a fomentar mi curiosidad por otro tipo de mujer prerafaelista: la pintora. Obviamente, no sabemos mucho de ellas. El talento femenino ha tenido que librar una larga e incansable lucha para ser reconocido y para ser considerado con su propia fuerza y su propia sensibilidad. Además, las artistas han tenido que luchar contra la rivalidad de sus colegas hombres, que ante el temor de verse desplazados como creadores, han utilizado muchas tácticas para subvalorar los frutos de las mujeres artistas; entre estas estaban la frontal negativa a considerar sus creaciones como arte, la negativa a una educación artística académica, la negativa a que ellas entraran en los concursos reglamentados, la negativa a que ellas ejercieran su profesión legalmente, la negativa a que pintaran sobre ciertos temas, la negativa a que formaran parte de las corporaciones artísticas, la negativa… la negativa…

Luna, de Anna Massey Lea Merrit, pintora estadounidense (1.844-1.930)

Por eso no debemos maravillarnos de que sepamos tan poco de este grupo de mujeres… pero también debemos añadir una cuestión de su época: en la puritana Inglaterra victoriana, como en gran parte del mundo occidental de esa época, los géneros vivían en gran separación y con casi absoluta diferenciación. Estas mujeres pintaron, muchas veces, desafiando a su familia y amigos, que consideraban su arte como un simple hobby y no como una verdadera vocación… después de todo, la única verdadera vocación de una mujer debía ser su esposo y su familia (!!!!). Por ende, mucha de la creación artística femenina no tuvo otra vía de salida que aquella que el decoro permitía; esto hizo que la recepción de estas obras fuera limitada, pero claro, hubo excepciones a la regla: pintoras reconocidas, que expusieron en las Academias y que vendieron sus cuadros.

Este hermoso video que hallé nos sirve de abrebocas a este maravilloso mundo, el de las mujeres pintoras. A mí me ha llenado de curiosidad; espero que ustedes sientan el mismo efecto:

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L.S. Lowry: la fuerza de lo simple

Este artista ha sido uno de mis grandes descubrimientos en Manchester. Lawrence Stephen Lowry es uno de esos pintores que engañan, pues con la simplicidad de sus líneas y colores, hacen creer que no ven mucho… pero es al contrario, pues Lowry veía no sólo la simplicidad sino la dureza -y las pequeñas alegrías- de la vida de la gente del Norte de Inglaterra mientras afrontaban dos guerras mundiales y una restauración de la que apenas se estaban recuperando en los noventas… hasta que llegó la crisis financiera y…

Pero me estoy distrayendo. El Museo dedicado a L.S. Lowry (1887-1976) está alojado en el impresionante teatro que lleva su nombre. Este espacio es uno de los faros culturales de la ciudad, pues además de contar con un impresionante diseño arquitectónico moderno, comparte el vecindario con el Imperial War Museum y los hermosos Muelles Salford. Este sector de la ciudad, que había sufrido un gran abandono, ha estado pasando por una fuerte recuperación, pues muchas empresas -entre ellas la BBC- se están ubicando allí y se están construyendo nuevas residencias.

Entrada al Lowry, teatro y museo en Salford Quays, Manchester, Reino Unido.

El ambiente del lugar es muy cultural, pero también muy familiar y estratégicamente complementado con un centro comercial. Así que es perfecto para un día soleado. 

Siguiendo con el artista: el museo que guarda muchas de sus pinturas no es muy grande, pero la muestra es sorprendente por la variedad que ofrece y por su capacidad de mostrar no sólo el desarrollo de la estética de Lowry, sino los variados temas que eligió representar.  Porque Lowry vio y sintió  en la vida urbana y semirural del norte de Inglaterra, una gran cantidad de cosas; en sus propias palabras: ” La mayoría de mis vistas urbanas son compuestas. Inventadas. En parte real y en parte imaginarias […] pedacitos y trozos de mi localidad natal. Ni siquiera sé que los estoy poniendo. Salen ellos mismos, como las cosas en los sueños..”

Dwelling, Ordsall Lane, Salford, 1927

The Sea, 1963

 Espero que hayan podido ver a lo que me refiero… esta es sólo una muestra de la impronta del impresionismo en Lowry. Además, uno puede encontrar en él rastros de la colorida publicidad del siglo XX, con sus fuertes asociaciones entre color y mensaje. Aquí el pintor nos vuelve a jugar una broma, pues lo que parece un pasatiempo infantil, es en realidad un comentario a la sociedad industrial masificada de su tiempo:

Fábricas en Lancashire

La supuesta simplicidad de la mirada de Lowry termina de romperse cuando uno se enfrenta a su representación de la figura humana…

Las carreras de caballos en Holcombe, 1954

 

La Pelea, 1937

 

Retrato de Ann, 1957

 

Hombre con los ojos enrojecidos

 Según Lowry, este cuadro comenzó como un autoretrato… luego pensó que él no quería un autoretrato y que nadie quería un autoretrato de él, pues no era interesante. Así que decidió pintar algo más interesante..

Y este fue mi primer encuentro con Lowry. Todavía no saco conclusiones, así que por el momento, guardo silencio y con ustedes, me dedico a observar…

Vista de calle con viaducto

 

Granjas y fábricas

 
La Feria

 

Santiago Rusiñol: de la luz y sus magias..

Santiago Rusiñol i Prats… adoro estos nombres catalanes, con esa sonoridad tan rara y tan extrañamente parecida a la del castellano.  Este modernista catalán-español fue uno de esos personajes que se enfrentaron a esa terrible y medieval vocación hispana: la de ser un reino del otro mundo… pero para don Santiago, este mundo era un festín de color, si no miren:

Santiago Rusiñol: Jardín

Y claro, la enfermedad parisina tenía que dejar secuelas y créanme: son suculentas, son impactantes… pero hay que recordar que la enfermedad parisina, la del modernismo y la aventura, produjo verdaderos prodigios; uno de los seguidores de Rusiñol se ha convertido en el más popular de esos “engendros”: Pablo Picasso.  Eso era un ritual de paso: irse a París y ver qué hacían los artistas modernos, los de vanguardia; qué pintaban y por qué, por qué Monet pintaba el mismo pajar veinte veces y por qué Tolouse pintaba putas de burdel, mientras que Renoir pintaba mujeres rellenitas, pelirrojas y llenas de luz…

Santiago Rusiñol: Jardín del pirata, Mallorca

Pero la luz de Rusiñol no sólo derrama luminosidad y sombras sobre los jardínes; también nos puede cegar en una calle, como aquí:

Santiago Rusiñol: Calle de Sitges

Si se están acordando de Van Gogh y sus armonías en amarillos -que nosotros conocemos como Los Girasoles-, no se preocupen… es ese ojo curioso, minucioso hasta el problema, que no ve sólo un color, sino que ve todas sus posibilidades.. son todos los amarillos del mundo…

Y es el poder de un solo color, la fuerza que engaña al ojo y que nos cambia la emoción:

Santiago Rusiñol: La muchacha del tiovivo.

Eso es el color ROJO, muy rojo, para que no se te olvide que es rojo gracias a la blancura cremosa de la niña que lo lleva puesto, gracias al frío gris de los tubos que sostienen el tiovivo donde el pálido caballito da vueltas y vueltas y vueltas… ese rojo no nos dejará perdernos en la maraña…

Y esa es la gracia de la luz de Rusiñol, que nos deja perpelejos y sedientos, con una maravillosa y sensual placidez, con sorpresa por este mundo… que maravilla vivir en un reino de este mundo…

Santiago Rusiñol: Retrato de la señora Riquel

Gustav Klimt: el arte del tabú.

Gustav Klimt ocupa un puesto raro en la historia del arte occidental.  Es un pintor muy conocido, pues muchas de sus pinturas hacen parte de la cultura pop, son utilizadas con los fines más diversos y como referencia a las cosas más variadas… les refresco la memoria: recuerdan el famoso cuadro El Beso?

"El Beso" de Gustav Klimt

¿Ya se acuerdan???? …… bueno……

Pero este caballero, que era un maestro del color y de sus usos simbólicos, que hizo del oro un material pictórico característico de su obra, que ganó fama y fortuna en vida y que hizo retratos de grandes damas, era un pintor de vanguardia.  Es decir, era un loco o raro o personaje extraño, de esos a los que les gusta preguntar cosas incómodas… socialmente era un tipo buena persona, pero sus cuadros son otra cosa; su estética simbolista le daba para mucho, le daba amplio espacio para interrogar y representar lo que la sociedad bienpensante y normal de su época no osaba decir.. o bueno, sólo le confesaba al doctor Freud, con esa técnica tan revolucionaria del psicoanálisis.

Y ahí es donde entra lo que hoy deseo mostrar: los dibujos de Klimt. En esos dibujos no sólo exploró cuestiones técnicas de su arte, también un tema que era fascinante para la época -tema que Freud hizo más perturbador aún:  la autonomía de la sexualidad femenina y su relación con las fantasías -y temores- del hombre… ojo, esto es material para adultos responsables… no digan que no los advertí:

Klimt: "Mujer con las piernas abiertas", 1913

Klimt: "Mujer con las piernas abiertas", 1913

Este dibujo es de  1913.  Uno se puede preguntar si lo dibujó de memoria, o usando la imaginación… pero no, al parecer una de sus modelos posó para él.  Es que en aquella época las modelos eran casi esclavas de los pintores que las contrataban y por eso accedían a estas poses… claro, estos dibujos afirmaron la leyenda de Klimt y su harén de modelos vienesas, que andaban desnudas por el estudio, esperando a que el maestro las llamase… pero el hecho es que sólo unas dos tuvieron hijos de Klimt, quien los reconoció.  Ah, no, Klimt nunca se casó; pero tuvo una relación afectiva y al parecer no física permanente: Emilie Flöge.

Bueno, basta de chisme biográfico. Sigamos con otro dibujo:

Klimt, 1909.

Estos dibujos, que al parecer sirvieron de bocetos para obras más concretas, han sido objetos de muchos análisis desde variados flancos: artistas, psiquiatras, sociólogos, historiadores…  pues la franqueza y la austeridad de estas figuras es impactante. Claro, es obvio que se masturban de muchos modos, que Klimt dirigía las miradas de ellas, que les decía cómo acostarse, como doblar sus cuerpos. Pero también estas son figuras que no tienen contexto, es decir, flotan en el espacio del papel; no hay elementos de una habitación dibujados, o de algún escenario o de otros personajes; están solas, y no necesitan de nadie más…

Si los desnudos de los impresionistas causaron resquemor, estos son mucho más desafiantes.  Los impresionistas -Manet, Renoir, Degas, Tolouse-Lautrec- no sólo  retrataban mujeres de sociedad, representaban mujeres que no eran idealizadas… muchas no eran bellezas perfectas y no debían serlo.  En muchas ocasiones la figura femenina es más un problema técnico que algo para representar.

Pero los desnudos de Klimt

Klimt: Desnudo femenino volteado hacia la izquierda, 1912-1913

no necesitaron contexto ni explicación.  Al parecer Klimt no la deseaba, pues quería explorar una faceta tabú y misteriosa de la femenidad: lo sexual.  Supuestamente las mujeres no debían tener una sexualidad autónoma; si la tenían, era una especie de anormalidad. La idealización de la mujer en todos los aspectos era un movimiento con nueva fuerza en estos años de transición, pues las mujeres estaban llegando a la formación universitaria, encontrando nuevas formas de expresión y experimentando con la independencia económica y existencial.. Emilie Flöge era una de estas nuevas mujeres: talentosa, dueña de su propia boutique, nunca necesitó nada de Klimt, sólo lo quiso.  Y esto era un enigma para muchos hombres, acostumbrados a ser necesitados y a asumir un rol preponderante para proteger, cubrir…  Claro, la realidad desafiaba todas estas ideas. Y luego llega Freud, con sus casos de histéricas, revelando las profundidades y las independencias de la psiquis femenina; trayendo a la luz la sexualidad femenina, algo que resultaba amenazador para la cultura de aquellos años -aún lo es para muchos…

Entre los muchos elementos que tienen estos dibujos los rostros son llamativos.  Claro, las poses… pero miren a los rostros de estas mujeres: algunos ni nos miran; otros nos dan ojeadas insinuantes. Estos gestos fueron comunes en la producción de algunos pintores de estos tiempos, que se adherieron a una estética que podríamos llamar misógina: un tipo de representación de la mujer como la seductora malévola y misteriosa, una esfinge que podría devorar al incauto o una sirena que conduciría al pobre a su destrucción. Como ejemplo, les doy esta belleza de un contemporáneo de Klimt, Franz von Stuck, que lleva esta perla de título: El Pecado.

Franz von Stuck, El Pecado.

 

 

Hermosa y siniestra, no les parece? Y esa era la idea general: poner en una perturbadora relación categorías supuestamente antinómicas, pues la belleza sólo podía ser buena y lo siniestro sólo podía ser feo. Para estos vanguardistas esta antinomia no existía o al menos, debía ser cuestionada.

 

Y Gustav Klimt hizo uso de este mecanismo tanto en sus bocetos como en sus obras terminadas, tanto frontalmente como sutilmente.  En los dibujos que hoy les muestro, esta estética se vuelve más demostrativa cuando se tiene en cuenta la ausencia de contexto y de título.  Esta es una de las chicas Klimt… ojo al rostro:

Klimt, desnudo boca abajo.

Los labios rojos, los ojos semicerrados y al parecer muy maquillados… para nosotros ya es una convención: la gran seductora.  Pero es la representación de un poder inmenso, que fascinaba a un hombre como Klimt, que no tuvo una relación íntima -al menos en todo el sentido de la palabra…

Bueno, ahí están algunos de los dibujos de este pintor. Disfrútenlos y piénsenlos….

Shazia Sikander: el pasado, el presente y el futuro.

Shazia Sikander es una jover artista que abraza el pasado de su país, Pakistán. En este pasado reina la sofisticada tradición moghul de la miniatura, que no embelleció paredes sino libros. Fue esta tradición la que aprendió nuestra artista, con toda la paciencia y el amor de un buen aprendiz.

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Tras este arduo aprendizaje, Shazia Sikander tuvo oportunidades para ir a estudiar a Estados Unidos, donde afianzó más su asimilación de la estética contemporánea, de la que se ha apropiado y que despliega en sus pinturas e instalaciones de una manera muy personal.

Con estas dos ricas vertientes, Shazia Sikander se ha convertido en puente artístico entre tradiciones dispares, un puente que siempre tiene algo que decir sobre los lugares que conecta: el pasado, el presente y el futuro. Reverencia su pasado usando sus técnicas, se sorprende con el presente dándole la bienvenida a las preguntas que están tras las estéticas y se interroga sobre el futuro, haciendo de sus cuadros una especie de comentarios severos y delicados.

Shazia Sikander: Pleasure pilars

Shazia Sikander: Pleasure pilars

Shazia Sikander:  To reflect

Shazia Sikander: To reflect

Mahmmoud Farschchian

Y ya que estamos con la sensibilidad al otro lado de los mares -el Atlántico y el Mediterráneo, hagámosle caso a los sufíes y excitemos la vista con las exquisitas miniaturas de este artista iraní.

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En el Islam también hay arte de la pintura, al parecer desarrollado a pesar de la ortodoxia que prohíbe la representación de figuras humanas. Sin embargo el arte de la miniatura fue un refugio para los pintores y desde el siglo XV se conocen grandes artistas que sentaron toda una tradición que sigue viva en miniaturistas como Farschian, ahora un veterano experto de este arte, muy admirado en su país.

Creo que no hay que insistir en el intenso colorido y la fluidez de sus líneas, elementos fundamentales del fuerte efecto dramático que Farschian despliega en sus miniaturas.  Claro, también está la delicada belleza de sus figuras humanas…

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Ramón Pinto Pabón: visiones de la naturaleza

De la serie Flora y Fauna

De la serie Flora y Fauna

Su paleta es suave, difuminada… el desarrollo de la vista que propone es sereno, con una experiencia de la luz clara pero no rutilante. La repetición hace parte de esa propuesta, pues el mismo punto de concentración puede deparar sensaciones distintas y disparar asociaciones diversas cuando se le ve desde diferentes perspectivas y en diferentes planos.

Es el arte del pintor colombiano Ramón Pinto Pabón:

Pabón ha penetrado en el mundo de la plástica partiendo de las raíces interiores y emocionales. Es reconocido artísticamente como Pabón, es un pintor moderno expresionista, natural de Bucaramanga, Santander, Colombia. Actualmente tiene su taller de arte en la ciudad de Bogotá y dicta clases o cursos de pintura en pequeños grupos en su taller en el sector de Chapinero.

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